En la pintura veneciana de principios del siglo XVI, se estableció un nuevo tipo de sacra conversazione junto al modelo más antiguo (Cat. No. 5), en el cual las figuras eran representadas dentro de un entorno arquitectónico. Este nuevo estilo adoptaba a menudo un formato de paisaje y se situaba al aire libre, bajo un cielo abierto. Existen varios ejemplos de esto en la obra de Lotto, quien se inspiró particularmente en Palma Vecchio, con quien Lotto mantenía una relación amistosa, según el biógrafo de los artistas, Vasari. Palma Vecchio había abandonado la disposición jerárquica convencional de las figuras para desarrollar composiciones más íntimas, percibidas desde una mayor proximidad. Lotto, considerado el más individualista de los artistas venecianos de su generación, continuó estas tendencias; en sus gestos, miradas y posturas, sus figuras se encuentran mucho más próximas entre sí que las de los pintores que le precedieron.

El trasfondo de la obra es un paisaje suavemente iluminado en la distancia. La Virgen con el Niño, Catalina, Tomás y un ángel se encuentran sentados bajo la sombra de un árbol. Lotto transforma de manera decisiva este tipo de composición consagrada por el tiempo: la pintura no está marcada por la tranquilidad del Alto Renacimiento, sino por la sensible expresividad del Manierismo temprano. Un flujo continuo y nervioso de movimiento recorre toda la escena, desde los brazos del ángel que corona a la Madonna, pasando por la mano del Niño que busca alcanzar el libro, hasta la cabeza de Catalina mientras contempla al devoto Apóstol, quien, mediante un íntimo contacto visual con María, guía al espectador de vuelta hacia la Virgen. La coloración fría y apenas veneciana —presente en toda la obra de Lotto— tiene sus raíces tanto en la pintura de Bérgamo, donde pasó la mayor parte de su vida, como en el arte de Durero.

© Cäcilia Bischoff, Masterpieces of the Picture Gallery. A Brief Guide to the Kunsthistorisches Museum, Vienna 2010